蜷川実花さんとは、2017年に日本でコラボレーションしています。大きな壁面を彩った彼女の花の写真は、ヴァン クリーフ＆アーペルの作品と素晴らしくマッチしていて、ぜひパリでも、と計画していたのです。

日本独特のアートは、とくに1920年代、30年代のヨーロッパの装飾美術に大きな影響を与えてきました。花の儚さの詩的な表現。それはヨーロッパ人からすると非常に日本的です。今回のコラボレーションもまたそこに立ち返る機会であると同時に、ありきたりではないものになっています。

会場は、従来のセノグラフィーではなしえなかった世界です。ブティックで商品としてのジュエリーを観るのとはまた違った体験をしていただきたい。幅広く多くの方々、お子さんにも足を運んでいただいて、ぜひこのマジックを楽しんでほしいと思います。

消えゆくものの美、もののあわれ。花にはすべてが入っている。気づくとどうしても花に寄っていってしまっています。世界を俯瞰で捉えることの大切さもあるけれど、もしかしたら女性的な視点なのかもしれませんが、ひとつひとつのささやくような美しさ、無限にその奥に広がりがあるような気がして、そこにフォーカスしてゆきたくなるのです。コンセプトがあるわけではなく、生理的にそうなってしまう。撮らずにはいられない。「どうして花なのですか？」と、よく尋ねられますが、理由があるというよりも、残さないではいられないという衝動のほうが大きいかもしれません。

シャッターを押すときは、長いことやっているので、ある程度、こうやって撮ったら美しく撮れるみたいな方程式が自分のなかにできてしまうのですが、そういう技術的なことでなくて、ほんとうに心が動いたからとか、「なんて美しいんだろう」と、言葉にするとシンプルなのですが、「絶対撮りたい」みたいな気持ちをどこまで純粋に持ち続けられるかということがキーワード。それがないと、不思議と通用しなくなってゆく。それは見てくださっている方になにか波動みたいにして伝わってゆくことだと思うので、逆に長くやっているからこそ、心が動かされたからシャッターを押すということの大切さを年々感じています。

セルフ・ポートレイトに近いようなところがあって、たとえば桜だったら、毎年同じ桜がある程度同じように咲きますけれど、その年の自分の気持ちだったり、世界のあり方だったりで全然写真が変わるんです。そこには、あるものを写すとか、そのものが持っているパワーをいただくこともありますが、そこと自分がどう対話をしていたかとか、その時の自分がどんな気持ちでその対象をみつめていたかということも同時に重要。その合わせ技でいろんなことが起こっているような気がします。

撮ること自体は短時間。けれども、常日頃そのアンテナをはっているので、生活するのがたいへんなくらい。そのスイッチを入れて世界を見ると、ありとあらゆることが面白くて、ありとあらゆるものを残したくて、世界中でいろいろな素敵なことが起こっているから、そわそわしてしまう。

日常のなかには、探す気持ちになれば、自分がそういうものを求めて丁寧に生きていると、いくらでも光り輝く瞬間はある。特にコロナでは「今」の大切さを感じて、それをしっかりとキャッチしてゆきたいという気持ちがより強くなった気がします。

蜷川さんの写真はすごく強くて、宝石は小さいもの。バランスをとるのが難しいです。今回は、光をコントロールすることに集中して、（両方を）光によって生かすことを意識しました。

作っているときにはあまり考えていなかったのですが、僕としてはむしろ『モモ』の物語だと思いました。「好きな本は？」と聞かれると『モモ』と答えるくらい、ミヒャエル・エンデのこの話が僕はすごく好きです。

モモが旅をして、時間の世界に入ってゆくと「時間の花」というシーンがあります。「時間の花」は池のなかにあって、そこに振り子があって、振り子が手前にくると花は生き生きとして、モモは幸せな気持になって嬉しくなる。けれどもまた振り子が遠くに行ってしまうと、急に目の前の美しかった花が枯れて花びらが落ちて、悲しくて泣きそうになってしまう。で、また振り子が戻って花が生き生きとする。そしてまた花びらが落ちて悲しくなる。なにかそんな「時間の花」という話を思い出しました。

古代から人間が、宝石というものに欲望を感じたり、愛を感じたり。人類を突き動かし続けたもの。（ハイジュエリーは）それを形にした一つの芸術です。正面だけがすべてではなく、手仕事による構造とかほんとうに素晴らしい。それも見せたいと思ったので、通常のショーケースではなく、多面体のものを作りました。